MÉXICO: duelo de artes

Destacado pintor mexicano del muralismo.

Estudió en la Academia de San Carlos

donde tuvo como profesor a José Velasco,

entre otros destacados maestros;

más tarde se vinculó con el  grabador José Posada.

En Europa, donde pasó casi quince años,

su arte se perfeccionó y evolucionó.

Después de una fuerte dosis de costumbrismo español,

se encontró con la vanguardia en París

y bajo la influencia de Picasso y George Braque,

se convirtió al cubismo.

Cuando visitó Italia, absorbió las enseñanzas de los grandes maestros

italianos,

adoptó para sus obras murales la concepción renacentista

de presentar a los personajes y a los demás elementos figurativos

en superposiciones de estrados.

Inspirado en sólidos principios socialistas,

en sus murales predominan figuras de campesinos,

y trabajadores.

Rivera también fue un excelente y prolífico pintor de caballete;

en sus lienzos dio una visión alegre,

sensual y colorista de las tradiciones mexicanas.

a Diego Rivera

Dejaste de ser para vivir

en otro...

La osadía de sentir

la lasitud de tu historia

en brazos del amor.

Fuiste sombra

detrás de las heridas...

sostén amurallado,

calor de lucerna...

Frida,

arabesco de espuma,

duelo de las artes,

pincelada de sangre

entre sus lágrimas.

Luján Fraix

ITALIA: el misterio de La Gioconda

Durante los siglos XV y XVI se desarrolló en Europa un movimiento

cultural llamado Renacimiento.

Originado en Italia,

determinó un nuevo concepto referido al hombre y el mundo.

Tuvo maravillosos exponentes que legaron sus obras 

otorgándole al arte una sublime importancia.

Uno de esos artistas fue Leonardo Da Vinci (1452-1519)

y su cuadro más famoso fue 

"La Gioconda",

tal vez el más famoso de la historia.

Alrededor del retrato se han tejido innumerables hipótesis.

La más reconocida es que su nombre

(que significa alegre)

se debe a que la mujer que posó como modelo

se llamaba Lisa Gherardini,

esposa de Francesco del Giocondo.

Lisa nació en Florencia en 1479

y fue la mayor de siete hijos de una familia noble

sin demasiadas riquezas.

En 1495 contrajo matrimonio con Francesco del Giocondo,

próspero mercader de telas con quien mantuvo una vida típica

de clase media florentina.

Inicialmente vivieron en la residencia de Los Giocondo

y luego Francesco adquirió la casa adyacente a su familia

donde se supone, en 1503, Leonardo

comenzó a pintar su obra maestra.

Los Giocondo tuvieron cinco hijos, dos de los cuales,

mujeres, tomaron los hábitos.

Una de ellas, Camilla, fue acusada de no guardar castidad

y absuelta tras un escándalo

***

Por lo que se sabe,

la obra fue finalizada alrededor de 1516.

Jamás le puso nombre ni recibió pago por ella pues no la entregó

a Giocondo.

En 1550 el artista Giorgio Vasari la tituló Mona Lisa

y recién a comienzos de este siglo se supo de la conexión

de la obra con Lisa Giocondo.

Ademas de algunos datos sueltos

poco más se sabe de la modelo que sobrevivió a su marido

y murió en un convento de Florencia en 1542,

sin enterarse de que siglos después, 

su retrato crearía enigmas y traspasaría todas las fronteras

del mundo, convertido en uno de los

íconos culturales más famoso.

Numerosas incógnitas rodean  a La Gioconda.

Herramientas de alta tecnología trataron de dilucidarlas

pero ninguna teoría fue demasiado concluyente.

Sólo conjeturas varias que terminaron en profundas polémicas

sin definición hasta el presente.

Dos de los detalles más investigados apuntan a su mirada,

que parece perseguir al espectador a medida que se moviliza,

y su sonrisa, que según la distancia desde donde se observe,

tiende a aparecer o a esfumarse.

Lo cierto es que Lisa del Giocondo

jamás debió imaginar que su imagen serían tan valorada

y reproducida en etiquetas de productos y publicidades

internacionales.

Millones de personas de todo el continente la visitan a diario

en el Museo del Louvre.

Desde su marco,

detrás del vidrio antibalas,

mantiene su misterio burlándose de cualquier suposición.

Estela Parodi

FRANCIA: Berthe Morisot la primera pintora impresionista

 Berthe Morisot (1841-1895), la primera mujer entre los pintores impresionistas, entre los que se podrá apreciar el famoso retrato que le hizo Edouart Manet, donde aparece con un pañuelo negro.

Después de setenta años, el museo Marmottan Monet que posee la colección más importante de obras de la artista, le rinde homenaje a la pintora más importante del siglo XIX y la musa de Manet.

En esta retrospectiva pueden verse sus paisajes, interiores, retratos de mujeres y niños y su familia, especialmente a su hija Julie. Aunque sus temas son típicos de la pintura impresionista, Morisot desarrolló su estilo propio, alejado de la influencia de Manet o de su amigo Renoir. La pintora formada con Camille Corot se caracterizaba por un estilo libre, con una luminosa paleta de colores.

Berthe Morisot por Edouard Manet-1872-

FRANCIA. "Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte", de Georges Seurat

"Una tarde de domingo en la isla

de la Grande Jatte"

1884-1886.

Instituto de Arte, Chicago

La escena se desarrolla a orillas del río Sena, en la isla de la Grande Jatte. Este paraje, ubicado en los suburbios de París, era utilizado por la burguesía como un lugar de paseo.

Seurat realizó numerosos dibujos y bocetos como parte de su estudio previo, a fin de trabajar sobre las luces, los colores, las figuras y la estructura general de la obra.

El autor logra una intensa sensación de profundidad por medio de la división de la obra en dos zonas: un primer plano a la sombra y el segundo, iluminado por el sol.

En la obra despliega una gama de colores muy viva y deja de lado-gracias al consejo de Signac- los tonos terrosos. Comienza a utilizar un nuevo pigmento, el amarillo zinc, que con el correr de los años se fue oscureciendo hacia el tono verdoso.

El aspecto plano y quieto se logra mediante el uso de la perspectiva múltiple: pareciera que el cuadro puede apreciarse desde varios puntos de vista.

Como resultado de un profundo estudio sobre el modo en el que el ojo percibe, Seurat descompone los colores en pequeños puntos puros que se mezclan en la retina.

La exacta alternancia entre las cuarenta figuras paradas, sentadas y recostadas genera una sensación de equilibrio estático en la obra.

La única diagonal en la obra es la costa. Luego, la composición se estructura en torno a líneas horizontales y verticales.

A diferencia de los impresionistas, que se esforzaban en captar y transmitir el fuir del agua, Seurat se inclinó por representarla casi inmóvil, destacando el reflejo de las embarcaciones.

Algunas interpretaciones sostienen que, dado que se solía llamar "monas" a las prostitutas, la mujer situada en primer plano simboliza la lascivia. 

ITALIA: Miguel Ángel, la soledad creadora

"Siempre trabajó solo, sin ayudantes.

Él mismo desbastaba sus mármoles y solo pintó a fresco

los quinientos metros cuadrados

de la superficie de la bóveda de la CAPILLA SIXTINA,

acostado en un andamio

y colocado tan cerca del techo que,

mientras trabajaba,

sólo podía ver fragmentos de lo que iba haciendo,

ya que las figuras pintadas por él

son de gran tamaño

y, a veces,

del doble de la medida natural.

"En esa soledad, su espíritu se enfrentaba sin duda

con su Creador y su pensamiento,

desentendido del presente,

volaba del comienzo de todo al fin de todo,

en una dramática síntesis que comunicó

a toda su obra."

Julio E. Payró

Pinacoteca de los genios,

Miguel Ángel, 1964.

PAÍSES BAJOS: Van Gogh, un devorador de utopías

Vincent Van Gogh

"Lo que caracteriza su trabajo es su exceso de vigor, de nerviosismo, su violencia expresiva, su frecuente simplificación de las formas, su insolencia de enfrentarse al sol directamente, la vehemente pasión de su dibujo y color. Su obra revela una personalidad poderosa, viril, desafiante, a menudo brutal, a veces ingenuamente delicada... 

No cabe duda de que tiene una conciencia cabal de la materia, de su importancia y de su belleza, pero también considera esta materia embrujadora como una especie de lenguaje maravilloso destinado a traducir la Idea. 

Van Gogh no es sólo un gran pintor entusiasta de su arte, de su paleta y de la naturaleza; es también un soñador, un creyente exaltado, un devorador de bellas utopías, que vive de ideas y de sueños. Su color es increíblemente deslumbrante. Que se sepa es el único pintor que percibe el cromatismo de las cosas con esa intensidad."

Albert Aurier, Mercure de France, 1890

NORUEGA: "El grito", de Edvard Munch

"El grito",

de Edvard Munch

es el cuadro más caro de la historia.

La fuente de inspiración para El grito podría encontrarse quizá, en la atormentada vida del artista, un hombre educado por un padre severo y rígido que, siendo niño, vio morir a su madre y a una hermana de tuberculosis. En la década de 1890, a Laura, su hermana favorita, le diagnosticaron un trastorno bipolar y fue internada en un psiquiátrico. El estado anímico del artista queda reflejado en estas líneas, que Munch escribe en su diario hacia 1892:

Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.

Munch inmortalizó esta impresión en el cuadro La desesperación, que representa a un hombre con un sombrero de copa, de medio lado, inclinado sobre una prohibición y en un escenario similar al de su experiencia personal.

No muy contento con el resultado, Munch pinta un nuevo cuadro, esta vez con una figura más andrógina, de frente, mostrando el rostro, y con una actitud menos contemplativa y más activa y desesperada. Lo mismo que la anterior, esta primera versión de El grito, se llamó La desesperación. Según detalla Robert Rosenblum (un especialista de la obra del pintor), la fuente de inspiración para esta estilizada figura humana podría haber sido una momia peruana que Munch vio en la Exposición Universal de París en 1889.

Munch realizó cuatro versiones de El grito. El original de 1893 (91 x 73,5 cm) con una técnica mixta de óleo y pastel sobre cartón, está expuesto en la Galería Nacional de Oslo. La segunda (83,5 x 66 cm) en témpera sobre cartón se exhibió en el Museo Munch de Oslo hasta que fue robado en 2004. La tercera pertenece al mismo museo y la cuarta es propiedad de un particular. Para responder al interés del público, Munch realizó también una litografía (1895) que permitió imprimir el cuadro en revistas y periódicos. El 31 de agosto de 2006 la policía de Oslo anunció que la segunda versión de la obra fue recuperada, junto con la Madonna, otra obra de Edvard Munch también robada en el 2004.

FRANCIA: Paul Cézanne

Los óleos de juegos de cartas, retratos penetrantes, escenas de baño y paisajes provenzales definen la obra de Paul Cézanne (1839-1906). Pero sus pinturas más tardías, en acuarela, son mucho menos conocidas. Hasta el 22 de junio, éstas podrán verse en el museo Ashmolean de Oxford. Las acuarelas del postimpresionismo francés, procedentes de la colección privada del estadounidense Henry Pearlman, se muestran por primera vez juntas en Europa con la exposición "Cézanne y la modernidad".

En total, 50 pinturas, entre ellas de otros famosos impresionistas y postimpresionistas, prestadas por el Princeton University Art Museum de Nueva Jersey. Posteriormente, la muestra viajará al Musée Granet de Aix-en Provence, donde nació Cézanne.

"Los óleos eran la cara pública del arte de Cézanne,

pero las acuarelas eran su parte privada," afirmó el comisario Colin Harrison

durante la presentación a los medios.

La muestra se abre con un retrato de Pearlman pintado en 1948 por Oskar Kokoschka. El empresario estadounidense había comenzado tres años antes a coleccionar arte vanguardista europeo. Cézanne era uno de los pintores que más lo fascinaban, pero también otros postimpresionistas, de Degas a Van Gogh o Chaim Soutine.

Una de las salas de la exposición está dedicada a las acuarelas de Cézanne, a las que el artista daba poca importancia. Entre ellas figuran la naturaleza muerta "Peras" (1890), por la que se pelearon Renoir y Degas y que finalmente fue por sorteo para este último. "Son unas peras extremadamente sensoriales", afirma Harrison sobre la obra.

Cézanne logró como apenas ningún otro artista de su tiempo capturar la luminosidad de su tierra natal en sus acuarelas. Algo que queda patente en sus habituales representaciones del Monte Victoria, plasmado en 11 óleos y numerosas acuarelas. Paisajes, bosques, fuentes y edificios relucen en sus pinturas como si de joyas se tratara. "El efecto resplandeciente de su inconsistente trazado es extremadamente provocador", añade el comisario de la muestra. La colección Pearlman está considerada una de las más valiosas y mejor conservadas de las colecciones privadas del mundo.

La selección de las obras es de primer nivel. La última vez que pudo verse completa fue en 1974.

JAPÓN: Atsuko Goto

ATSUKO GOTO

Las ilustraciones te sumergen en la niebla.

Visiones etéreas y melancólicas de una bellaza

de otro mundo.

El trabajo en acuarela y lapislázuli sobre algodón,

nos muestra rostros tristes.

Goto investiga las relaciones fundamentales

entre la humanidad y la naturaleza,

la muerte, la decadencia y la regeneración.

Ella se graduó en la Universidad Nacional de Bellas Artes

y Música de Tokio.

***

ESPAÑA: Picasso en blanco y negro

Puede que PICASSO sea más conocido por sus períodos Azul y Rosa y por el Cubismo, pero el artista español también usó el blanco y negro en sus trabajos.

En enero pasado se realizó la primera exposición que examinó su uso continuo de la paleta en blanco y negro a lo largo de su carrera, por consiguiente creemos que es una exposición pionera. Pensamos que esto ofrece nuevas perspectivas sobre su carácter creativo.

Desde "La planchadora" un austero y sombrío óleo sobre lienzo en 1904 que representa a una mujer angulosa planchando, hasta "El beso", un trabajo en gris oscuro y negro que se completó décadas más tarde,  la exposición mostró en orden cronológico trabajos que nunca fueron vistos en público.

El uso mínimo del color en estos trabajos de Picasso centraba su atención en la línea, la forma, los trazos  y los tonos, lo que es evidente en "La cocina" una pintura de 1948 con ángulos, círculos, curvas y variedad de tonalidades en gris.

"Su interés está en el dibujo y en la línea".

Incluso en sus períodos Azul y Rosa, el blanco, el negro y el gris fueron un tema recurrente. La falta de color permitía a Picasso mantener cuadros complicados como su obra maestra en blanco y negro.

PAÍSES BAJOS: Vincent Van Gogh, "La habitación de Arles"

"La habitación de Arles"

año 1888.

Museo Van Gogh

Amsterdam

Muchos objetos se presentan en parejas: dos sillas, dos almohadas, dos botellas y dos pares de cuadros. Esta paridad tal vez estaría indicando que el pintor esperaba compañía, la llegada de su amigo Paul Gauguin.

Los retratos que cuelgan de la pared difieren en las tres versiones de la obra. En este caso se trata de un autorretrato de Vincent y de un retrato de su hermana Willhelmina.

Van Gogh reemplaza el tono blanco de las paredes por un azul violáceo creando armonías con los verdes de la ventana y contrastes con el amarillo de las sillas y la cama.

Todos los objetos están en el fondo de la habitación pero el primer plano está abierto y vacío, como si esperase una visita.

Las pinceladas negras en el contorno de los objetos son un rasgo característico de su estilo. Así destaca el color de los objetos, y pone énfasis en su solidez.

La cama rústica fue comprada con dinero de su hermano y en ella murió.

Las sillas, si bien eran de madera más clara; en el cuadro decide pintarlas de amarillo, el color que simboliza la luz del sol, la calidez y la felicidad.

La habitación presenta una fuerte perspectiva con una leve torsión, típica del autor y de sus ideas sobre la pintura. Los planos elevados del piso y la cama y las imágenes en la pared inclinadas revelan su lucha interior.

En la cabecera de la cama hay un grabado japonés con un paisaje. Van Gogh admiraba la sencillez de estos dibujos y fue de los primeros pintores que acusaron la influencia de estas obras.

En la pintura usa el color para transmitir emociones más que para representar objetos y de allí su carácter innovador. La intención era expresar la idea de reposo mediante la diversidad de tonos.

ITALIA: Caravaggio, "Cesto de frutas"

"Cesto de frutas"

de Caravaggio-1596-

Pinacoteca Ambrosiana, Milán

La obra fue encargada por el cardenal Federico Borromeo, un apasionado de las naturalezas muertas, cuando el artista ya pertenecía al círculo de Del Monte. Es parte de su primera producción: ambientes más luminosos, un uso más brillante del color y temas únicamente profanos.

A pesar de ser hoy una de sus obras más admiradas, fue considerada una obra holandesa hasta 1919, año en que Roberto Longui, un historiador cautivado, la rescató del olvido.

El aire casual que sugiere la sencilla composición de ramas y frutas en la cesta es el efecto de un equilibrio finamente calculado según las proporciones geométricas.

CARAVAGGIO estudia las variaciones de color y forma de estas frutas, y así se pone a la altura de Zeuxis quien, según el mito, pintó uvas tan realistas que los pájaros revoloteaban alrededor del cuadro.

Coronando la exuberante cesta, las ramas marchitas recuerdan el paso del tiempo y el ineludible final luego del verde verano.

La huella del gusano en la manzana roja, que alude al pecado, es uno de los elementos simbólicos más fuertes de la obra.

Caravaggio es de los primeros en romper con la jerarquía de géneros; para él, una naturaleza muerta podía tener el mismo valor artístico que una Virgen. Reivindica así el carácter abstracto del arte: algo puede ser bello sin necesidad de transmitir moralejas ni historias.

"Trampa-ante-el-ojo" se llama la ilusión creada por la pintura, cuando por su extremo realismo o sus trucos de perspectiva, el espectador confunde el arte con la realidad. Esta cesta es un magnífico ejercicio de simulación y un ejemplo de lo que el arte puede lograr.

El magistral detalle de las gotas sobre las frutas, una prueba brillante de la perfección técnica alcanzada, ha conquistado a los últimos indecisos.

La luz-que, como de costumbre en una obra, entra por la izquierda- y el fondo neutro contribuyen a eliminar la profundidad de la escena: no hay perspectiva, las frutas no hacen sombra, las hojas son meras siluetas sin volumen. Así crea una sensación de extrañamiento, en un motivo cotidiano.

ITALIA: Leonardo da Vinci, "La última cena"

Fresco pintado por Leonardo da Vinci hacia 1497

que describe el momento en que Jesús

revela a sus discípulos

que uno de ellos va a traicionarlo.

Para

"LA ÚLTIMA CENA"

aplicó el óleo en forma directa sobre el yeso,

lo que produjo un rápido deterioro.

El fresco se ha restaurado periódicamente

desde el siglo XVI

y requiere mantenimiento continuo.

***

FRANCIA: Henri de Toulouse-Lautrec, la bohemia

Gracias a su formación artística, TOULOUSE-LAUTREC manejaba a la perfección tanto el óleo como la litografía, el pastel y el carbón sobre papel.

Utilizaba perspectivas oblicuas con el punto de fuga fuera del centro. Prefería los colores fuertes y las formas planas, y se sentía más a gusto pintando interiores con luz artificial que exteriores con luz natural.

Con pocas pinceladas o trazos conseguía expresar un máximo de movimiento. Su línea era sutil y ágil a la vez. 

Fascinado por el arte oriental, muy extendido en la época, en muchos de sus carteles se perciben colores vibrantes, sujetos descentrados y líneas diagonales, rasgos típicos de las estampas japonesas.

FRANCIA: Georges P. Seurat, su estilo propio

Pintaba sus cuadros con pequeños puntos de colores puros, cuidadosamente yuxtapuestos sobre la tela, para que la retina los mezcle e interprete.

Realizaba sus bocetos iniciales en el exterior y continuaba su trabajo en el taller durante un largo período. Allí estudiaba la aplicación del color, la luz y la composición del cuadro.

Tenía una nueva concepción sobre el dibujo: prescindía casi por completo de los contornos y de los detalles y se concentraba en la forma, los contrastes, las luces y las sombras.

Prefería las composiciones armónicas, con líneas horizontales y verticales equilibradas y cierta sensación de quietud en las imágenes.

ITALIA: Miguel Ángel Buonarroti, la perfección

La bóveda de la CAPILLA SIXTINA fue pintada mediante la técnica del fresco, que consiste en aplicar pigmentos terrosos mezclados con agua y cal sobre una pared recién revocada.

MIGUEL ÁNGEL hacía los bocetos en papel, perforaba las líneas con un clavo y, sosteniendo el dibujo contra el techo, soplaba carboncillo pulverizado por los agujeros para traspasar la imagen y luego pintar.

El uso del dibujo fue una técnica fundamental y constante en la proyección de sus esculturas y pinturas. En los bocetos de obra se destaca su talento como dibujante.

En sus esculturas recurre al contrapposto, fórmula que consiste en representar la figura humana con una pierna adelantada y la otra flexionada, y con la cadera levemente elevada. Así, logra transmitir el movimiento y romper con la frontalidad.

ITALIA: Amedeo Modigliani, audacia y soledad

AMEDEO MODIGLIANI, en la mejor tradición italiana, pintaba al óleo sobre lienzo, pero muchas veces quizá por sus aprietos económicos, tuvo que usar ambos lados de la tela.

Si bien creó un estilo propio y original, no lo basó primordialmente en cuestiones técnicas. Quizá haya sido en parte por eso que la crítica artística tardó en reconocerlo.

Su manera de pintar está embebida de las influencias vanguardistas de la época, en las fuertes pinceladas de resonancias expresionistas, o en el uso del color, puro, concentrado y vibrante.

Modigliani encuentra, gracias a su aventura escultórica, una innovación similar a la del cubismo al allanar en sus cuadros la profundidad del campo visual, rompiendo con la perspectiva tradicional.

ESPAÑA: Pablo Picasso, el innovador

Desde el principio de su carrera, Picasso desarrolla su interés en la materia objeto de todo tipo,  y ha demostrado una gran versatilidad que le permitió trabajar en varios estilos a la vez. Por ejemplo, sus pinturas de 1917 incluyeron Mujer con mantilla (puntillista) ,  figura en un sillón (cubista) , y  Arlequín (natualista). Todos en el Museo Picasso , Barcelona.

En 1919,  realizó una serie de dibujos de postales y fotografías que reflejan su interés por las convenciones estilísticas y el carácter estático. En 1921 pintó simultáneamente varias grandes pinturas neoclásicas y dos versiones de los cubistas composición Tres músicos (Museum of Modern Art, Nueva York; Philadelphia Museum of Art).  En una entrevista publicada en 1923, decía Picasso, "Las diferentes maneras que he utilizado en mi arte no deben ser considerados como una evolución, o como pasos hacia un ideal desconocido de la pintura ... Sí los temas que he querido pintar han sugerido diferentes maneras de expresión que nunca he dudado en adoptarlos ". 

A pesar de su enfoque de la abstracción (obras cubistas), Picasso nunca renunció a los objetos del mundo real como materia. Aparecen en sus pinturas formas fácilmente reconocidos como guitarras, violines, y botellas. Cuando Picasso representa escenas narrativas complejas, lo hace por lo general en grabados, dibujos y obras en pequeña escala; Guernica (1937) es una de sus pocas pinturas narrativas de gran tamaño. 

La naturaleza autobiográfica de arte de Picasso se ve reforzada por su costumbre de sobresalir con sus obras, a menudo hasta el día de hoy. Él explicó: "Me quiero ir a la posteridad con una documentación que va a ser lo más completa posible, es por eso que pongo una fecha en todo lo que hago."

AUSTRIA: Gustav Klimt, la pasión como arte

 

Formado en la Escuela de Artes y Oficios de Viena, KLIMT conoce y aprende tempranamente distintas técnicas. Su pintura adquiere un estilo original e inconfundible con el paso del tiempo.

Klimt es un pintor muy hábil y con mucho oficio que se desempeña a la perfección tanto en los frescos como en la pintura al óleo. Impresiona la manera fotográfica con la que pinta los rostros: trabaja con un hiperrealismo adelantado a su tiempo.

Su estilo gráfico se manifiesta provocativamente en las decoraciones excesivas y voluptuosas de sus obras; también en los intensos contrastes entre los rostros y los fondos.

Su pintura es un juego sinuoso de ritmos ondulantes equilibrados cuidadosamente. Se lo considera también un precursor del collage, ya que utilizaba placas de distintos materiales para el fondo de sus cuadros.

FRANCIA: Edgar Degas, la pureza de la línea

EDGAR DEGAS dominaba la técnica del óleo sobre lienzo, si bien muchas veces prefirió recurrir al pastel, la técnica más flexible, sobre todo en sus últimos años en que comenzó a perder la visión.

Buscaba crear una experiencia visual de conjunto, prescindiendo del detalle. Para eso utilizaba pinceladas cortas y visibles y colores puros: la pintura deja de disimularse y se asume como tal.

A diferencia de los otros impresionistas, que pintaban directamente del natural, Degas confiaba en el dibujo y el boceto como bases fuertes e imprescindibles de la pintura.

Su innovación más significativa y recordada ocurrió en el terreno de la composición, sus formas de organizar el espacio en la tela son las más atrevidas de su tiempo.