COLOMBIA: Fernando Botero

El célebre pintor y escultor colombiano reinterpreta el dogma

y la historia sobre las mujeres más veneradas

por los cristianos.

A lo largo de la historia, la representación de personajes emblemáticos del cristianismo fue uno de los temas preferidos de los artistas. Sin embargo, en los últimos siglos esta tendencia ha quedado en el olvido. Por esta razón, el pintor y escultor colombiano Fernando Botero decidió plasmar a las "santas de santas" en una reinterpretación moderna en que las muestra, en su estilo único, como mujeres mundanas de la sociedad actual.

"Observando la historia del arte,

encontré que el tema de las santas había desaparecido de la pintura

de la Revolución Francesa,

después de haber sido un tema favorito entre los siglos XIII al XV.

Me pareció atractivo por el hecho de que es un tema

que no había sido tratado en siglos", dijo Botero

en la entrevista telefónica con The Associated Press desde su estudio

en Pietrasanta, Italia.

Indicó que a pesar de que dichas santas debieron haber sido personajes humildes, pobres y sobre todo sin ninguna vanidad, encontró que a través de las historia artistas como Pedro Rubens, Jan van Eyck y El Greco las retrataron como "princesas" con el fin de rendirles homenaje.

"Yo quise hacer lo mismo,

mostrar las santas que no habían sido retratadas en siglos

con el mismo espíritu de la pintura antigua,

presentándolas de una manera muy elegante,

muy bien vestidas,

pero obviamente inspirado en la manera

como se visten las mujeres hoy en día", explicó el artista.

ITALIA: el misterio de La Gioconda

Durante los siglos XV y XVI se desarrolló en Europa un movimiento

cultural llamado Renacimiento.

Originado en Italia,

determinó un nuevo concepto referido al hombre y el mundo.

Tuvo maravillosos exponentes que legaron sus obras 

otorgándole al arte una sublime importancia.

Uno de esos artistas fue Leonardo Da Vinci (1452-1519)

y su cuadro más famoso fue 

"La Gioconda",

tal vez el más famoso de la historia.

Alrededor del retrato se han tejido innumerables hipótesis.

La más reconocida es que su nombre

(que significa alegre)

se debe a que la mujer que posó como modelo

se llamaba Lisa Gherardini,

esposa de Francesco del Giocondo.

Lisa nació en Florencia en 1479

y fue la mayor de siete hijos de una familia noble

sin demasiadas riquezas.

En 1495 contrajo matrimonio con Francesco del Giocondo,

próspero mercader de telas con quien mantuvo una vida típica

de clase media florentina.

Inicialmente vivieron en la residencia de Los Giocondo

y luego Francesco adquirió la casa adyacente a su familia

donde se supone, en 1503, Leonardo

comenzó a pintar su obra maestra.

Los Giocondo tuvieron cinco hijos, dos de los cuales,

mujeres, tomaron los hábitos.

Una de ellas, Camilla, fue acusada de no guardar castidad

y absuelta tras un escándalo

***

Por lo que se sabe,

la obra fue finalizada alrededor de 1516.

Jamás le puso nombre ni recibió pago por ella pues no la entregó

a Giocondo.

En 1550 el artista Giorgio Vasari la tituló Mona Lisa

y recién a comienzos de este siglo se supo de la conexión

de la obra con Lisa Giocondo.

Ademas de algunos datos sueltos

poco más se sabe de la modelo que sobrevivió a su marido

y murió en un convento de Florencia en 1542,

sin enterarse de que siglos después, 

su retrato crearía enigmas y traspasaría todas las fronteras

del mundo, convertido en uno de los

íconos culturales más famoso.

Numerosas incógnitas rodean  a La Gioconda.

Herramientas de alta tecnología trataron de dilucidarlas

pero ninguna teoría fue demasiado concluyente.

Sólo conjeturas varias que terminaron en profundas polémicas

sin definición hasta el presente.

Dos de los detalles más investigados apuntan a su mirada,

que parece perseguir al espectador a medida que se moviliza,

y su sonrisa, que según la distancia desde donde se observe,

tiende a aparecer o a esfumarse.

Lo cierto es que Lisa del Giocondo

jamás debió imaginar que su imagen serían tan valorada

y reproducida en etiquetas de productos y publicidades

internacionales.

Millones de personas de todo el continente la visitan a diario

en el Museo del Louvre.

Desde su marco,

detrás del vidrio antibalas,

mantiene su misterio burlándose de cualquier suposición.

Estela Parodi

FRANCIA: Berthe Morisot la primera pintora impresionista

 Berthe Morisot (1841-1895), la primera mujer entre los pintores impresionistas, entre los que se podrá apreciar el famoso retrato que le hizo Edouart Manet, donde aparece con un pañuelo negro.

Después de setenta años, el museo Marmottan Monet que posee la colección más importante de obras de la artista, le rinde homenaje a la pintora más importante del siglo XIX y la musa de Manet.

En esta retrospectiva pueden verse sus paisajes, interiores, retratos de mujeres y niños y su familia, especialmente a su hija Julie. Aunque sus temas son típicos de la pintura impresionista, Morisot desarrolló su estilo propio, alejado de la influencia de Manet o de su amigo Renoir. La pintora formada con Camille Corot se caracterizaba por un estilo libre, con una luminosa paleta de colores.

Berthe Morisot por Edouard Manet-1872-

FRANCIA. "Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte", de Georges Seurat

"Una tarde de domingo en la isla

de la Grande Jatte"

1884-1886.

Instituto de Arte, Chicago

La escena se desarrolla a orillas del río Sena, en la isla de la Grande Jatte. Este paraje, ubicado en los suburbios de París, era utilizado por la burguesía como un lugar de paseo.

Seurat realizó numerosos dibujos y bocetos como parte de su estudio previo, a fin de trabajar sobre las luces, los colores, las figuras y la estructura general de la obra.

El autor logra una intensa sensación de profundidad por medio de la división de la obra en dos zonas: un primer plano a la sombra y el segundo, iluminado por el sol.

En la obra despliega una gama de colores muy viva y deja de lado-gracias al consejo de Signac- los tonos terrosos. Comienza a utilizar un nuevo pigmento, el amarillo zinc, que con el correr de los años se fue oscureciendo hacia el tono verdoso.

El aspecto plano y quieto se logra mediante el uso de la perspectiva múltiple: pareciera que el cuadro puede apreciarse desde varios puntos de vista.

Como resultado de un profundo estudio sobre el modo en el que el ojo percibe, Seurat descompone los colores en pequeños puntos puros que se mezclan en la retina.

La exacta alternancia entre las cuarenta figuras paradas, sentadas y recostadas genera una sensación de equilibrio estático en la obra.

La única diagonal en la obra es la costa. Luego, la composición se estructura en torno a líneas horizontales y verticales.

A diferencia de los impresionistas, que se esforzaban en captar y transmitir el fuir del agua, Seurat se inclinó por representarla casi inmóvil, destacando el reflejo de las embarcaciones.

Algunas interpretaciones sostienen que, dado que se solía llamar "monas" a las prostitutas, la mujer situada en primer plano simboliza la lascivia. 

ITALIA: Venus en el arte

¿Qué encantos encierra la figura de Venus y cómo es posible explicar

el interés que suscita desde hace tantos siglos?

El motivo recurrente de la diosa desnuda que representa el amor y la belleza se remonta a los tiempos del paleolítico, con la Venus de Willendorf, descubierta hacia 1890, y al período helénico, con el hallazgo de la célebre estatua de la Venus de Milo, creada alrededor del 100 aC.

Identificada con la diosa griega Afrodita, su figura siempre fue venerada por encarnar el amor y la fertilidad. En muchas representaciones-que suelen recibir el nombre de "Venus anadiómenas"- la diosa aparece emergiendo del mar, ya que, de acuerdo con la mitología, ella nace adulta de las aguas y son las aguas las que renuevan su virginidad. Ya en la antigua Pompeya podía verse un mural del pintor Apeles que la mostraba semidesnuda rodeada de dos cupidos.

En el Renacimiento, Venus se convierte en motivo popular de la pintura y la escultura, Botticelli recibió el encargo de pintar "El nacimiento de Venus" y es tal la hermosura de su interpretación de la diosa- inspirada en Simonetta Vespucci- que no se percibe la desproporción del cuello, ni el extraño modo en que cuelga su brazo izquierdo, rasgos que pueden verse como las libertades que el artista se tomó para acentuar la gracia de su silueta. De mirada ausente, como si huyera del mundo exterior, la diosa de Botticelli es una Venus púdica, que se cubre el cuerpo con las manos.

Hacia 1510 Giorgione representa a una Venus desnuda y recostada pasivamente al aire libre, que marcó una gran innovación en el mundo del arte y en 1525 Tiziano realiza una bella Venus anadiómena.

Diego Velázquez, el pintor más destacado del barroco español, pinta una Venus de gran carga erótica, que se mira en un espejo sostenido por Cupido. El atractivo erótico también está presente en la representación del pintor francés Ingres: una diosa desnuda con una expresión ausente, que emerge rodeada de ángeles.

Muchos otros pintores se han ocupado de su belleza, entre ellos Rubens, Cranach, Bouguereau, Tintoretto, Picasso, Dalí, Botero y la lista continúa.

ESPAÑA: postal de Pablo Picasso

Una postal del artista español Pablo Picasso fue subastada en Alemania por 166.000 euros (188.500 dólares).

El precio de salida para la tarjeta de casi cien años de antigüedad había sido fijado en 100.000 euros. La postal muestra una vista de la ciudad de Pau en el sur de Francia. En el reverso, Picasso (1881-1973) en lugar de escribir hizo un dibujo que es considerado parte de una serie cubista "La nature morte".

Picasso había enviado la postal el 5 de septiembre de 1918 a su amigo el poeta Guillaume Apollinaire, que residía en París. Picasso y Apollinaire tuvieron una estrecha amistad. El artista fue incluso testigo de casamiento del escritor en 1918.

La postal nunca llegó a Apollinaire y volvió al lugar de origen quizá por haber

sido escrita en castellano.

Apollinaire murió meses después a causa de una epidemia de gripe

que cundía en París.

Ellos habían sido grandes amigos hasta que un hecho, el robo de tres estatuas ibéricas del Louvre perpetrado por Géry Pieret que había sido hospedado alguna vez por el francés, en su departamento parisino, los distanció mortalmente.

Tanto Picasso como Apollinaire tuvieron que comparecer ante la justicia. El poeta francés fue detenido acusado por el robo y preso del terror no tardó en acusar al malagüeño del delito. Todo se arregló luego, las estatuas fueron devueltas.

ITALIA: Miguel Ángel, la soledad creadora

"Siempre trabajó solo, sin ayudantes.

Él mismo desbastaba sus mármoles y solo pintó a fresco

los quinientos metros cuadrados

de la superficie de la bóveda de la CAPILLA SIXTINA,

acostado en un andamio

y colocado tan cerca del techo que,

mientras trabajaba,

sólo podía ver fragmentos de lo que iba haciendo,

ya que las figuras pintadas por él

son de gran tamaño

y, a veces,

del doble de la medida natural.

"En esa soledad, su espíritu se enfrentaba sin duda

con su Creador y su pensamiento,

desentendido del presente,

volaba del comienzo de todo al fin de todo,

en una dramática síntesis que comunicó

a toda su obra."

Julio E. Payró

Pinacoteca de los genios,

Miguel Ángel, 1964.

FRANCIA: Paul Cézanne

Los óleos de juegos de cartas, retratos penetrantes, escenas de baño y paisajes provenzales definen la obra de Paul Cézanne (1839-1906). Pero sus pinturas más tardías, en acuarela, son mucho menos conocidas. Hasta el 22 de junio, éstas podrán verse en el museo Ashmolean de Oxford. Las acuarelas del postimpresionismo francés, procedentes de la colección privada del estadounidense Henry Pearlman, se muestran por primera vez juntas en Europa con la exposición "Cézanne y la modernidad".

En total, 50 pinturas, entre ellas de otros famosos impresionistas y postimpresionistas, prestadas por el Princeton University Art Museum de Nueva Jersey. Posteriormente, la muestra viajará al Musée Granet de Aix-en Provence, donde nació Cézanne.

"Los óleos eran la cara pública del arte de Cézanne,

pero las acuarelas eran su parte privada," afirmó el comisario Colin Harrison

durante la presentación a los medios.

La muestra se abre con un retrato de Pearlman pintado en 1948 por Oskar Kokoschka. El empresario estadounidense había comenzado tres años antes a coleccionar arte vanguardista europeo. Cézanne era uno de los pintores que más lo fascinaban, pero también otros postimpresionistas, de Degas a Van Gogh o Chaim Soutine.

Una de las salas de la exposición está dedicada a las acuarelas de Cézanne, a las que el artista daba poca importancia. Entre ellas figuran la naturaleza muerta "Peras" (1890), por la que se pelearon Renoir y Degas y que finalmente fue por sorteo para este último. "Son unas peras extremadamente sensoriales", afirma Harrison sobre la obra.

Cézanne logró como apenas ningún otro artista de su tiempo capturar la luminosidad de su tierra natal en sus acuarelas. Algo que queda patente en sus habituales representaciones del Monte Victoria, plasmado en 11 óleos y numerosas acuarelas. Paisajes, bosques, fuentes y edificios relucen en sus pinturas como si de joyas se tratara. "El efecto resplandeciente de su inconsistente trazado es extremadamente provocador", añade el comisario de la muestra. La colección Pearlman está considerada una de las más valiosas y mejor conservadas de las colecciones privadas del mundo.

La selección de las obras es de primer nivel. La última vez que pudo verse completa fue en 1974.

ITALIA: Sandro Botticelli, "El nacimiento de Venus"

Pintura de SANDRO BOTTICELLI

que muestra

el nacimiento de la diosa Venus, la que,

según la mitología griega, nació de la espuma del mar

y emergió de una enorme concha

que la llevó a la isla de Citeria.

Es probable, que algún miembro de la familia Médicis

le hubiera  encargado el cuadro al pintor

en 1484.

Es tal la hermosura de su interpretación de la diosa

-inspirada en Simonetta Vespucci-

que no se percibe la desproporción del cuello,

ni el extraño modo que cuelga su brazo izquierdo,

rasgos que pueden verse como las libertades que el artista

tomó para acentuar la gracia de su silueta.

De mirada ausente

como si huyera del mundo exterior,

la diosa de Botticelli es un Venus púdica,

que se cubre el cuerpo con las manos.

***

ITALIA: Leonardo da Vinci, la sonrisa de La Gioconda

Hace años que en el mundo del arte 

discuten cuál es el secreto detrás de la enigmática sonrisa

de La Gioconda.

Al parecer, el misterio está resuelto.

Un grupo de investigadores 

de las universidades inglesas de Sunderland y Sheffield Hallam

detectaron en una obra previa

de Leonardo da Vinci

un efecto similar al de su obra más famosa.

En La Bella Princesa,

el artista también logró una sonrisa

que parece moverse a medida que uno recorre la pintura con la vista.

El secreto estaría en el sfumato,

una técnica que difumina los contornos de la boca

dependiendo del ángulo

desde donde se mire.

SUIZA: Paul Klee, "Angelus Novus"

EL ÁNGEL DE LA HISTORIA

Hay un cuadro de PAUL KLEE  que se llama ANGELUS NOVUS.

En este cuadro se representa a un ángel que parece a punto de alejarse de algo a lo que mira fijamente. Los ojos se le ven desorbitados, tiene la boca abierta y además las alas desplegadas. Pues este aspecto deberá tener el ángel de la historia.

Él ha vuelto el rostro hacia el pasado, donde ante nosotros aparece una cadena de datos, él ve una única catástrofe que amontona incansablemente ruina tras ruina y se las va arrojando a los pies.

Bien le gustaría detenerse, despertar a los muertos y recomponer lo destrozado. Pero, soplando desde el paraíso, una tempestad se enreda en sus alas y es tan fuerte que el ángel no puede cerrarlas. Esta tempestad lo empuja incontenible hacia el futuro, al cual vuelve la espalda mientras el cúmulo de ruinas ante él va creciendo hacia el cielo.

Lo que llamamos PROGRESO

es justamente esa tempestad.

W.Benjamín

AUSTRIA: Gustav Klimt, figuras femeninas

 

GUSTAV KLIMT llega a convertirse en retratista favorito de las mujeres de época. Estas obras sugieren precisamente que los elementos decorativos, siendo parte importante de la armonía del conjunto, son en sí mismo autónomos, pequeñas composiciones abstractas capaces de condensar más de lo que muestran, como los retratos de ADELE BLOCH-BAUER y de  EMILIE FLÖGE, dos de los más famosos.

PAÍSES BAJOS: Van Gogh, LAS LUCES de la melancolía

Pocos artistas mostraron tanto interés por los autorretratos como VAN GOGH que llegó a realizar más de treinta.

En ellos pueden seguirse tanto los signos de su enfermedad como la evolución de su estilo; también puede apreciarse cómo a lo largo del tiempo van variando sus técnicas y sus composiciones de color.

En este enlace sus 

AUTORRETRATOS